Per tutte le serate, a partire dalle 19:30, sarà presente l’osteria itinerante Nonna Lille.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Concerto jazz del trio Kalimbata

Venerdì 12 giugno ore 21.00

La Kalimba, il vibrafono, il balafon (un particolare tipo di xilofono africano caratterizzato da una distorsione naturale molto affascinante), l’organo hammond con i suoi bassi viscerali, una miriade di percussioni: sono queste alcune delle alchimie timbriche che condiscono ritmiche dal sapore afro jazz e tribale. 

Luigi Vitale – vibrafono, balafon, kalimba, steel drum, percussioni
Gianpaolo Rinaldi – organo hammond, sintetizzatore
Luca Colussi – batteria e percussioni

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Kalimbata

Cinema all’aperto: Gioia mia

di Margherita Spampinato

Venerdì 19 giugno ore 21.00

Nico, un bambino vivace, scontroso e impertinente, cresciuto in una famiglia laica, in un mondo moderno, tecnologico e iperconnesso, è costretto a passare l’estate in Sicilia, ospite di un’anziana zia, signorina religiosissima e scorbutica che vive sola, in un antico palazzo pieno di leggende e superstizioni, senza wi-fi né elettrodomestici, senza nessun tipo di tecnologia, completamente fuori dal tempo.

Ingresso: 4,00 €

Vai alla pagina del film: Gioia mia

Concerto jazz mediterraneo del duo SADA

Venerdì 26 giugno ore 21.00

Sada è un duo acustico formato da Sarra Douik (voce e oud) e Marco Centasso (Contrabbasso). Nato nel 2023 tra Venezia e Vicenza, Sada è l’eco di un dialogo che attraversa il Mediterraneo. L’intreccio tra la voce sognante e il dialogo costante tra oud e contrabbasso danno vita ad una conversazione musicale intima e profonda. Da questo dialogo nasce una voce unica, capace di trasmettere emozioni e memorie, di dare spazio a chi ha bisogno di farsi ascoltare.

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Sada ﺻ َ ﺪَى

Cinema all’aperto: Gli anni in tasca

di François Truffaut

Girato nell’estate del 1975, racconta l’infanzia attraverso una coralità di piccoli episodi quotidiani, sospesi tra leggerezza, scoperta e fragilità. Con uno sguardo insieme poetico e realistico, il film segue bambini e adolescenti nel delicato passaggio verso la crescita, restituendo tutta la grazia, la crudeltà e la vitalità dell’età infantile.

Ingresso: 4,00€

Vai alla pagina del film: Gli anni in tasca

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

Scopri il programma della nuova edizione di Fuori dal Cinema 2026.

Il Circolo Cinematografico Enrico Pizzuti presenta la decima edizione di Fuori dal Cinema, la rassegna estiva nel giardino del Cinema Turroni a Oderzo. Quattro serate di musica e cinema a partire dal 13 giugno 2025, ogni venerdì fino al 4 luglio 2025.

Per tutte le serate, a partire dalle 19:30, sarà presente l’osteria itinerante Nonna Lille.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Vermiglio

di Maura Delpero

Venerdì 13 giugno ore 21.00

Vermiglio racconta dell’ultimo anno della seconda guerra mondiale in una grande famiglia e di come, con l’arrivo di un soldato rifugiato, per un paradosso del destino essa perda la pace, nel momento stesso in cui il mondo ritrova la propria.

Ingresso: 4,00 €

Vai alla pagina del film: Vermiglio

Minimal Klezmer

Venerdì 20 giugno ore 21.00

Minimal Klezmer è un quartetto nato a Londra nel 2011 dall’incontro di quattro musicisti accomunati da una formazione classica, un’attitudine all’improvvisazione, una certa affinità con l’estetica dadaista e una passione travolgente per la musica klezmer. 

Francesco Socal: clarinetto, sax, voce
Roberto Durante: piano, fisarmonica
Pietro Pontini: violino, viola
Enrico Milani: violoncello

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Minimal Klezmer

Concerto etnoclassico

Venerdì 27 giugno ore 21.00

Un viaggio attraverso culture, epoche e paesaggi sonori dai paesi latini all’Est Europa, guidato dalle parole e dall’esecuzione alla fisarmonica del maestro Roberto Daris.

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Concerto Etnoclassico

La parola ai giurati

La parola ai giurati (12 Angry Men) nasce da un’opera teatrale che racconta la storia di una giuria composta da dodici uomini chiamati a deliberare sul destino di un giovane accusato di aver ucciso il padre. Inizialmente, undici giurati sono convinti della sua colpevolezza, ma uno di loro, il Giurato n. 8, solleva dei dubbi, dando inizio a una discussione tesa e carica di emozioni.

L’opera affronta temi come il ragionevole dubbio, il pregiudizio e la complessità dei sistemi giudiziari, mentre i giurati si confrontano con i propri preconcetti e cercano di raggiungere un verdetto unanime.

Ingresso: 4,00€

Vai alla pagina del film: La parola ai giurati

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

“La società non esiste, esistono solo gli individui”. La frase è di Margaret Thatcher (pare), ma forse anche Billy Wilder avrebbe potuto trovarsi d’accordo, visto che è molto difficile trovare nei suoi film – dalle commedie ai drammi – personaggi le cui azioni non siano motivate solo o soprattutto dall’interesse personale o da qualche profondissima passione-ossessione. Ma quasi certamente quello che per la lady di ferro inglese, ultraliberale e paladina dei ricchi e della società competitiva, è stato uno slogan di combattimento, era invece per Wilder una constatazione piuttosto amara, anche se indiscutibile. La politica non è certo un tema centrale nella produzione del regista euro-americano, ma si può dire che quasi tutte le vicende umane che ci ha proposto nel corso della sua lunga attività si svolgano sullo sfondo di una realtà in cui è chiaro che la compassione e la solidarietà non sono la regola. Quindi: il capitale e il mercato sono quasi un’ovvietà da dare per scontata. Ma non per questo sono il sistema adatto a rendere l’uomo felice, anzi.

“Uno, due, tre!” è stato girato in un momento storico straordinario, cioè pochi mesi prima che il governo della Germania comunista mettesse in atto la decisione di costruire il muro di Berlino, uno dei simboli della guerra fredda e insieme uno dei luoghi critici della storia di tutto il ‘900, una linea lungo la quale i due massimi sistemi della politica si sono a lungo confrontati con intensità producendo quasi sempre attrito e frizione. Wilder colloca proprio su questo margine problematico una vicenda¹ da cui, al di là della sua apparenza farsesca, riesce a ricavare una straordinaria sintesi in termini di interpretazione storica: in uno stesso luogo geografico il mondo del capitale e del mercato si incrocia da un lato con i residui di uno dei più spietati e sanguinari regimi di ogni epoca, fortunatamente decaduto, dall’altro con un sistema non molto diverso quanto a capacità di opprimere e sterminare, ma nel pieno – o quasi – della sua fortuna. Apparentemente il confronto è risolto in modo sbrigativo: la disumana e cieca rigidità del nazismo non suscita nessun rimpianto, né si può provare attrazione per l’idiozia violenta congenita al comunismo, che non si può ritrarre se non facendone la caricatura. Ma questo non vuol dire che il capitalismo sia un prato fiorito.

Infatti il bieco realismo calcolatore e senza scrupoli, che permette all’aggressivo C.R.² McNamara, dirigente – non a caso – della Coca-cola, di stare a galla sopra gli altri nel mare tempestoso dell’economia, da un lato sembra far parte della sua natura come una seconda pelle, ma dall’altro lo rende un individuo per diversi aspetti odioso. Il fatto che in apparenza se ne freghi, dall’alto della sua ricchezza e autorità, non lo rende in realtà meno solo e insopportabile, specialmente alle persone che gli sono affettivamente più vicine, e non aiuta certo a sfrondare il sottobosco di opportunismo che gli sta intorno e che condiziona tutti i suoi rapporti umani. 

La felicità? Non si vede. Forse non c’è: né per chi comanda né per chi si piega e obbedisce in modo da tirare avanti. O comunque non si può chiederla alla politica, il che attenua in modo decisivo i pregi che comunque l’Occidente liberale conserva rispetto ai totalitarismi. È davvero faticoso vivere la tensione di un mondo in cui è normale che il progresso non abbia realmente ridotto il peso e la drammaticità della lotta per sopravvivere: il complesso produttivo e commerciale preme sugli individui con una forza smisurata alla quale essi non possono resistere e che quindi trasforma la loro esistenza nel profondo. Ma non nei lenti e graduali tempi darwiniani dell’evoluzione: la spietatezza del sistema occidentale richiede di essere pronti a rinunciare, immediatamente (Uno, due, tre!) e volentieri, senza disperdere energie in inutili piagnistei, a qualsiasi self, anche agli aspetti della propria identità che un momento prima si consideravano irrinunciabili. 

L’Occidente è una trottola, una giostra, per star bene sulla quale bisogna essere in grado di vivere in una dimensione di eterna adolescenza, conservando l’età mentale di una quattordicenne, come fa Rossella/Scarlett Hazeltine, un’autentica woo girl ante litteram, l’unica ad accogliere ognuna delle molte piccole e grandi sorprese che si accavallano nella trama della vicenda con un urletto entusiasta come di fronte a una novità della moda. Per gli adulti, invece, come McNamara e come noi oggi, la vita è più dura. Perché è vero che il mondo è molto cambiato, che non ci sono più le grandi ideologie – con il loro carico minaccioso di guerra potenziale – rispetto alle quali il genio del Billy Wilder sceneggiatore (con Ira Diamond) riesce a trovare quasi sempre la leggerezza e l’equilibrio di chi ha i tempi comici sulla punta della dita, facendoci ridere di cose spaventose. Ma è anche vero non solo che le cose spaventose e le guerre anche oggi non ce le facciamo mancare, ma soprattutto che continuiamo a stare tutti sulla vecchia trottola, aggiornata dalla tecnologia che la fa correre molto più velocemente e vorticosamente rispetto a quei sessant’anni fa. 

Infatti, possiamo negare che anche a noi, che abbiamo più di 14 anni, le orbite di questo mondo di oggi – dopotutto non così diverso da quello di ieri – fanno girare parecchio la testa? Ebbene, (ri)vedere questo film ci fa capire meglio come è cominciata la faccenda, come funziona il meccanismo. E magari ci fa pensare che alcune delle cose spaventose che succedono oggi si spieghino proprio così: quando alla gente gira molto la testa, può succedere che, per cercare (presumibilmente invano) di rallentare o fermare il movimento, qualcuno provi a ricorrere ad arnesi ideali ancora più vecchi e scaduti rispetto alle grandi e terribili ideologie, ma comunque pericolosi, capaci – come purtroppo vediamo guardandoci attorno – di seminare in giro parecchio dolore e povertà. 

Di fronte a problemi di questo tipo (storici, geopolitici, sociologici…) e di queste proporzioni Billy Wilder si ferma sempre un passo indietro. La sua dimensione resta quella dell’individuo, la prospettiva del suo sguardo sulle cose resta quella dei minimi sistemi, delle strategie di sopravvivenza da inventare nel quotidiano. A lui, tutto sommato, la trottola non dispiace completamente, è un gioco antico e forse un po’ infantile ma sempre divertente. Non sappiamo se oggi sarebbe in grado di abituarsi anche alla nostra velocità o se rimarrebbe stordito dai nostri tempi di trasmissione e spostamento, ma immagino che avrebbe qualche mossa da suggerirci per migliorare il nostro adattamento al mondo. O almeno riuscirebbe a trovare il modo di divertirci anche in questi anni, in cui spesso possiamo avere l’impressione che da ridere non ci sia gran che. 

¹ Il soggetto è tratto da un testo teatrale scritto negli anni ‘20 da Ferenc Molnàr (lo scrittore ungherese dei “Ragazzi della via Pàl”)
² Del nome del protagonista, non a caso, sappiamo solo le iniziali.

Gli appuntamenti sono per venerdì 24 giugno, venerdì 1 e 8 luglio alle ore 21.00 in compagnia dello stand di SognandoBirra. Ingresso libero con offerta responsabile.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Qui rido io

di Mario Martone

Venerdì 24 giugno ore 21.00

Agli inizi del ‘900, nella Napoli della Belle Époque, splendono i teatri e il cinematografo. Il grande attore comico Eduardo Scarpetta è il re del botteghino. Il successo lo ha reso un uomo ricchissimo: di umili origini si è affermato grazie alle sue commedie e alla maschera di Felice Sciosciammocca che nel cuore del pubblico napoletano ha soppiantato Pulcinella. Il teatro è la sua vita e attorno al teatro gravita anche tutto il suo complesso nucleo familiare, composto da mogli, compagne, amanti, figli legittimi e illegittimi tra cui Titina, Eduardo e Peppino De Filippo. 

Vai alla scheda del film: Qui rido io

My little brown book

Venerdì 1 luglio ore 21.00

Concerto dedicato a Billy Strayhorn, arrangiatore, compositore e pianista statunitense, noto soprattutto per la sua trentennale collaborazione col compositore e direttore d’orchestra Duke Ellington, per il quale compose e orchestrò molti dei brani che resero famosa la sua orchestra. Tra le sue composizioni più conosciute temi teatrali, come “Star Crossed Lovers” (Shakespeare), e “Take the ‘A’ Train”.

Davide Palladin – Chitarra
Bruno Cesselli – Pianoforte
Nicola Barbon – Contrabbasso

Uno, due, tre!

di Billy Wilder

Venerdì 8 luglio ore 21.00

Il signor MacNamara, direttore della Coca Cola di Berlino Ovest, viene avvertito dal suo direttore generale dell’arrivo della figlia Rossella, che si tratterrà a Berlino con i MacNamara un paio di settimane. In realtà, la ragazza si ferma due mesi e proprio quando stanno per giungere i suoi genitori che vengono a riprenderla, sparisce inspiegabilmente. MacNamara riesce a ritrovare la ragazza ma scopre anche che si è segretamente sposata con un insopportabile comunista di Berlino Est e che sta per partire con lui alla volta di Mosca.

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

Gli appuntamenti sono per venerdì 25 giugno, venerdì 2 e 9 luglio, e sabato 17 luglio alle ore 21.00. Quattro serate ad ingresso libero (con offerta responsabile) nel giardino del cinema Turroni con la garanzia di posti distanziati ed ingresso regolamentato secondo le normative vigenti (vedi fondo pagina).

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, rimandata a data da destinarsi. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Effetto notte

di François Truffaut

Venerdì 25 giugno ore 21.00

“Per la prima volta al cinema…il cinema. Per la prima volta in un film…quelli che fanno un film. Per la prima volta la vita privata…di quelli che non hanno mai una vita privata. Un film sulla verità? Un film sulla menzogna? Un film sulla verità e sulla menzogna!”. Recitava così il trailer italiano del 1973 di Effetto notte, lo straordinario film meta-cinematografico di uno dei registi che più amiamo.

Vai alla scheda del film: Effetto notte

Le ombre di rosso

Venerdì 2 luglio ore 21.00

Dopo aver aperto la prima edizione nel 2016, ritornato Fuori dal Cinema Le ombre di Rosso con il nuovo album “Da sponda a sponda” che musica l’omonima raccolta del celebre poeta Luciano Cecchinel, vincitrice del Premio Viareggio per la poesia 2020.

Vai alla scheda del film: Le ombre di rosso in concerto

The Farewell

di Lulu Wang

Venerdì 9 luglio ore 21.00

Delicata commedia familiare che si sviluppa attorno ad una bugia a fin di bene per raccontare il contrasto tra due culture – quella cinese e quella americana – ponendo al centro le contraddizioni che esistono all’interno di ogni famiglia. Accolto con entusiasmo al Sundance Film Festival 2019, è stato molto apprezzato anche al Festival del Cinema di Roma.

Vai alla scheda del film: The Farewell

La corazzata Potëmkin

Sabato 17 luglio ore 21.00

Una delle più note e influenti opere della storia del cinema sonorizzata dal vivo da Roberto Durante e Vittorio De Marin con sintetizzatori analogici e campionatori. Tranquilli, il film dura solo 75 minuti!

Vai alla scheda del film: La corazzata Potëmkin

Misure di sicurezza per l’accesso al giardino

L’ingresso è libero con offerta responsabile, sarà consentito fino all’esaurimento dei posti disponibili e sarà regolamentato secondo le normative vigenti.

Inoltre:

• sarà presente un igienizzatore per le mani all’ingresso;
• sarà separato il flusso d’ingresso rispetto a quello d’uscita;
• sarà obbligatorio indossare la mascherina entrando e uscendo;
• sarà garantito il distanziamento dei posti a sedere;
• potrà essere rilevata la temperatura corporea all’ingresso;

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

“Un eroe dei nostri tempi è un filmettino da strapazzo,
scritto in venti giorni, di luglio, tutto scarruffato, in un momento di situazioni tremende e di insicurezza totale. Però è un film concettuale… Alla base del film c’è un concetto che spinge e insiste, è la storia di un uomo che ha paura. Avevo dato come sottotitolo al film appunto La paura”.¹

“Sordi era un cagasotto, un fifone che aveva paura di tutto.
E non c’è dubbio che alla base di Un eroe dei nostri tempi
c’è questo suo sentimento. Ancora nel 1996, a Biagi
che in un’intervista per la RAI lo lodava
per la sua magistrale interpretazione di don Abbondio,
Sordi elogiava la paura: «Biagi, la paura non è un peccato.
La paura è lo stato d’animo di una persona normale.
Perchè è normale avere paura. Anzi, io credo più a quelli
che hanno paura che a quelli che sono coraggiosissimi
e che ti spingono, magari, a fare qualche follia.²

“Allora io prendo la bomba, la butto e sfascio tutto!”

Immagino che a molti di noi una buona parte dei personaggi di Alberto Sordi ispiri una certa repulsione. Naturalmente ridiamo, sentendoci migliori di lui e incapaci della sua bassezza d’animo e della sua inconsistenza morale, ma la vigliaccheria, l’opportunismo e il servilismo dell’italiano medio come lui li rappresenta con la persona e la recitazione, ci sembrano – credo – esattamente quello che non vorremmo essere, né come individui né come paese. 

Eppure sentiamo che in quell’attitudine qualcosa di vero viene riprodotto, e la cosa ci inquieta perché ci rendiamo conto che proprio lì sembra trovarsi il nucleo di tanti problemi, la chiave del rapporto malato che c’è da noi tra individuo e collettività, viziato da infinite debolezze e minato alla base da una sfiducia cronica e reciproca tra cittadino e istituzioni.

Un eroe dei nostri tempi tocca precisamente questo problema. Come molti altri film di Sordi (e di Sonego), certo, ma in un modo più diretto, perché la paura morbosa di Alberto Menichetti non ha spiegazioni legate alla situazione del personaggio: Alberto sta bene, ha un lavoro, una famiglia (d’origine) e non ha grossi problemi al di là di questa ansia che si porta dentro e lo costringe ad essere meschino e untuoso: sempre, salvo quando crede di potersi permettere di essere arrogante. Potremmo discuterne, ma è probabile che questo personaggio sia tra i “peggiori” Sordi di sempre: si fatica a trovargli una virtù, una qualità positiva, un aspetto del carattere che si possa salvare. 

Ma detta così può sembrare che il film si regga su una macchietta, una caricatura. Invece non è così: anche se l’idea centrale non è poi molto consistente e sembra ridursi un po’ alla natura del protagonista, in realtà sono parecchi i richiami al presente e al passato recente che legano in modo diretto l’atteggiamento di Alberto alla mentalità di un paese che non ha ancora imparato cosa sia la libertà.

Attraverso il protagonista il racconto di Monicelli esplora con lo sguardo del senso comune quattro o cinque ambiti della società italiana dell’epoca, mostrando con molta semplicità che in nessuno di essi la modernità riesce veramente ad aprire una prospettiva nuova: le dinamiche del lavoro sono segnate da un autoritarismo refrattario a qualsiasi apertura, con il padrone che sperimenta cautamente il marketing e la tecnologia ma regna sull’azienda come un signore sui servi. La famiglia di provenienza è un polveroso deposito di tradizioni e tare familiari (l’ovetto, lo scialletto, le maglie di lana…), mentre i rapporti di coppia sono resi impossibili da un gioco di finzioni e raggiri, di paure e ritegni che rende impossibile a un uomo e a una donna (per esempio la straordinaria Franca Valeri o la giovanissima Giovanna Ralli) stare insieme e volersi bene normalmente, anche al di là dei comportamenti patologici di Alberto. Da questi meccanismi non è immune neanche il sistema sanitario, intravisto di sfuggita. Ma la peggio sacrificata è la dimensione pubblica, verso la quale veramente il timore e la diffidenza sono i sentimenti prevalenti. In un tempo in cui apparentemente per gli italiani si riapre, pur con mille difficoltà, lo spazio della discussione e la possibilità della politica, la totale mancanza di educazione alla libertà impedisce comunque a moltissimi cittadini, di cui Alberto è esempio e sintesi (“io non ho idee politiche…”), di vivere con dignità la propria appartenenza alla società. L’italiano ha introiettato la paura dell’autorità, l’accettazione dell’arbitrio, l’abitudine al dispotismo. E non cerca mai di superarli alzando la testa e reagendo con ragionevolezza e coraggio: prova invece ad esorcizzarli ricorrendo a precauzioni, stratagemmi e astuzie fatti della stessa pasta dell’autorità. Alla quale alla fine, in uno scontro decisamente impari, si sottomette sperando al massimo in qualche privilegio. Ed è questa attitudine che conduce Alberto ad una discesa fatale e grottesca che lo porta a sprofondare sempre di più nelle sabbie mobili in cui aveva il terrore di finire.

Il mondo è molto cambiato? L’Italia? Certamente. Ma qualche volta assistiamo a fenomeni che qualche perplessità ancora ce la fanno nascere. Siamo più liberi di Alberto Menichetti? Siamo sicuramente molto più capaci di esserlo, percorriamo lo spazio della società e della politica con molte più idee e sicurezza e fierezza. Ma la paura non ci è passata del tutto, non sono sparite la diffidenza reciproca tra cittadino e stato, c’è ancora in giro gente che la bomba la vorrebbe buttare e/o che vorrebbe spaccare tutto, al di là del paradosso per cui per decenni (forse secoli) l’attentato dinamitardo è stato il contrassegno dell’anarchismo, ma poi in realtà nella storia d’Italia alla fine le bombe vere le ha messe chi aveva l’obiettivo di suscitare la paura per ristabilire poi l’ordine a proprio modo. E se oggi siamo così, abbiamo serie ragioni per credere che sia anche perché è da lì che veniamo, dalle ansie e dalle astuzie di Alberto. E certamente Sordi ha avuto una straordinaria capacità naturale di percepire, raccogliere e riprodurre i vizi degli uomini del suo tempo, forse anche perché, appunto, in una certa misura gli appartenevano. Ma lo sguardo critico, la spietatezza dell’ironia, la capacità di ritrarre un mondo pensandone uno diverso, ricordiamoci che sono quasi del tutto di Rodolfo Sonego (ab). 

P.S. 1

Oltre (naturalmente) ai film e al libro di Tatti Sanguineti da cui sono tratte le due citazioni iniziali, libro grosso e abbastanza costoso (26 euri) ma molto divertente, per conoscere (scoprire) Rodolfo Sonego potete andare su Google e digitare: Come ridevano, i racconti di Rodolfo Sonego. Google vi manderà ad una pagina di Raiplay in cui si presentano le trasmissioni dedicate da Sanguineti a Sonego. Andate sulla sx e cliccate su “puntate e podcast”, quindi nell’elenco delle puntate, sempre sulla sx, cliccate su Come ridevano, i racconti di Rodolfo Sonego, dove finalmente trovate le puntate (10 di circa mezz’ora l’una) ascoltabili e scaricabili, con molti passaggi delle lunghe interviste da cui è stato tratto il libro e con interventi di decine di meravigliosi protagonisti della storia del cinema italiano, tra cui l’altro grande sceneggiatore veneto, il trevigiano Luciano Vincenzoni, lo scrittore di Signore e Signori di Pietro Germi.

P.S. 2

Due quiz. Il primo è facile: il film segna l’esordio nella recitazione di qualcuno che nel tempo avrà una certa importanza e notorietà nel cinema italiano. Vediamo se capite di chi si tratta (non vale guardare sullo smartphone, notate che non abbiamo fatto capire se è uomo o donna).

Il secondo dovrebbe essere meno immediato. Ad un certo punto nel film c’è una specie di “cameo”, di presenza del regista e dello sceneggiatore. Come quando Hitchcock compare per pochi secondi nei suoi film, ma meno: una cosa piccolissima. Vediamo se ve ne accorgete.

¹Rodolfo Sonego in: Tatti Sanguineti, Il cervello di Alberto Sordi – Rodolfo Sonego e il suo cinema, Adelphi, Milano 2015, p.164.

² Tatti Sanguineti, Il cervello di Alberto Sordi – Rodolfo Sonego e il suo cinema, p.163. La trasmissione di Biagi citata è Il fatto del 7/4/1996

Gli appuntamenti sono per mercoledì 8, 15, 22 e 29 luglio 2020 alle ore 21.00, quattro serate per quattro film che abbiamo amato, legati al passato del cinema Turroni e non solo. Quattro serate ad ingresso libero e gratuito nel giardino del cinema con la garanzia di posti distanziati ed igienizzati ed ingresso regolamentato secondo le normative vigenti (vedi fondo pagina).

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Papà è in viaggio d’affari

Mercoledì 8 luglio ore 21.00

Opera seconda dell’amato regista bosniaco Emir Kusturica con cui si aggiudicò la Palma d’oro al Festival di Cannes 1985. La Jugoslavia degli anni ’50 vista attraverso gli occhi del piccolo Malik. Un film a cui siamo molto legati e che abbiamo proposto al Cinema Turroni negli anni ’80. 

Vai alla scheda del film: Papà è in viaggio d’affari

The Bra – Il reggipetto

Mercoledì 15 luglio ore 21.00

Riproponiamo questo film dall’ultima rassegna Cineforum Mon Amour interrottasi sfortunatamente a causa dell’emergenza Covid19 poco prima della proiezione. Una commedia poetica lungo i binari del treno di un quartiere popolare di Baku (Azerbaigian). 

Vai alla scheda del film: The Bra – il reggipetto

Un eroe dei nostri giorni

Mercoledì 29 luglio ore 21.00

“Ma io non ho paura, è che ho la fortuna di essere prudente…”. Italia anni ‘50: la società – tra echi del fascismo e primi segni del boom – è piena di insidie che richiedono vigilanza e strategie. Alberto Menichetti è una delle più geniali versioni dell’italiano medio incarnate da Sordi sulle trame del “suo” sceneggiatore, il bellunese Rodolfo Sonego, in un film di Mario Monicelli che racconta bene quanto è stato difficile per l’Italia diventare un paese moderno.

Vai alla scheda del film: Un eroe dei nostri tempi

I 400 colpi

Venerdì 31 luglio ore 21.00

Primo lungometraggio di François Truffaut e vincitore della Palma d’Oro al Festival di Cannes 1959, è l’opera del regista francese che amiamo a tal punto da aver ispirato il logo del nostro Circolo. Lo sguardo indimenticabile del giovane Antoine Doinel (alter ego del regista) segna l’arrivo di una nuova onda nella storia del cinema, la Nouvelle Vague. Un classico intramontabile.

Vai alla scheda del film: I 400 colpi

Misure di sicurezza per l’accesso al giardino

L’ingresso è libero e gratuito per tutti, sarà consentito fino all’esaurimento dei posti disponibili e sarà regolamentato secondo le normative vigenti.

Inoltre:

• sarà presente un igienizzatore per le mani all’ingresso;
• sarà separato il flusso d’ingresso rispetto a quello d’uscita;
• sarà obbligatorio indossare la mascherina entrando e uscendo;
• sarà garantito il distanziamento dei posti a sedere;
• potrà essere rilevata la temperatura corporea all’ingresso;

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

D’accordo, negli anni successivi, un improbabile alieno in tuta di lattice rossa e un triangolo amoroso tra escursionisti, non hanno di certo aiutato, ma le ultime due fatiche del nostro John dovrebbero comunque riservargli un posticino al caldo, nel pantheon di chi, cinematograficamente parlando, qualcosa da dire ce l’ha eccome!

Once e la forza del talento

Del già citato Once, preferisco tralasciare la premiata Falling Slowly per concentrarmi sulla sequenza che vede protagonista If you want me di Markéta Irglová. Questa, terminato il turno di lavoro, riordina gli appunti, mette le cuffiette e si ascolta la base che Glen Hansard le ha donato, in quanto incapace di trovare le parole giuste per trasformare quella melodia in una canzone. La passeggiata per il rientro a casa della dolce Markéta si trasforma in un elegante preghiera alla ricerca dell’amore perduto.

Un quasi piano sequenza, le luci calde dei lampioni nelle strade di Dublino, una base grezza e la voce di Markéta sono sufficienti a trasformare una scena “povera” in qualcosa di magico. Basta così poco a far nascere una canzone? Si, se hai del talento.

Begin Again e “mostrare” il “sentire”

Inizia il film e noi vediamo Greta (Keira Knightly) suonare una delicata canzone alla chitarra tra l’indifferenza generale di un pub newyorkese, se non fosse per un estasiato Dan (Mark Ruffalo), in piedi con un sorriso ebete stampato in faccia, tra la folla del locale. Da qui, gli eventi tornano indietro di qualche ora e capiamo che Dan è un produttore discografico ormai alla frutta che cerca di barcamenarsi tra diversi problemi lavorativi e familiari. Al bar ci arriverà solo dopo una giornataccia, a tarda notte, e la sua visione sarà così esaltante, non solo per qualche bicchiere di troppo, ma soprattutto per una sua capacità di cogliere l’essenza di una canzone. Dan riesce infatti a capirne le potenzialità e mentalmente aggiungere quegli elementi in grado di valorizzarla e confezionarla come una vera hit.

Una trovata registica interessante ed efficace riesce a “mostrarci” quello che Dan riesce a “sentire” a differenza degli altri clienti del locale. Una canzone nasce anche così, come una gemma rara che viene ripulita, lucidata e infine diviene uno splendido gioiello.

Sing street e la musica come mezzo di conquista

Siamo nuovamente a Dublino, negli anni 80, e i protagonisti di questa storia sono degli adolescenti che mettono in piedi una band, esplorando le influenze del periodo e dando così sfogo a quelle emozioni che pervadono chi si trova in quel magico periodo di raccordo tra infanzia ed età adulta. A dire il vero, a spingere i ragazzi, ed in particolare Conor “Cosmo” (Ferdia Walsh-Peelo) a mettere in piedi una band, è il voler fare colpo su una “modella” bella e misteriosa: Raphina (Lucy Boynton). Conor, per avvicinarsi a Raphina, la invita a partecipare al video di uno dei suoi pezzi, senza avere né un gruppo né tantomeno un brano. Di necessità virtù, l’amore spinge i nostri protagonisti a scrivere della musica propria. The riddle of the model, ovvero L’enigna della modella è il loro primo inedito.

Ancora una volta, John Carney ci mostra cosa spinga a scrivere canzoni e quali sviluppi possa avere questo processo creativo.

Le colonne sonore originali dei suoi film sono strepitose e gli spunti potrebbero essere molti di più. Ecco quindi un buon motivo per recuperare i lavori di questo grande regista, capace di trasmettere l’energia del “fare” musica, non limitandosi a farci ascoltare semplici canzoni, ma accompagnandoci ad assistere alla genesi ed evoluzione di un brano, per apprezzarne ancor di più il suo valore.

“Styx” è il nome in greco antico di Stige, il fiume dell’odio, uno dei cinque fiumi degli inferi secondo la mitologia greca e romana. In Styx il fiume viene rappresentato dall’Oceano Atlantico ed è un’allegoria del nostro mondo diviso e dell’ambivalenza nei confronti dei profughi: non tratta in senso stretto il tema dell’accoglienza e dell’immigrazione ma quello della responsabilità collettiva e individuale del soccorso di chi è in fuga e si trova in pericolo di vita.

Styx: La storia

Colonia: pochi secondi dopo un incidente stradale il ferito è tratto in salvo, circondato di macchine e soccorsi, esempio perfetto dell’Occidente capitalista, efficiente e garantito. Il medico dell’ambulanza è Rike.

Con uno stacco repentino, Rike, quarantenne, appassionata velista (interpretata da Susanne Wolff, che anche nella realtà possiede il patentino internazionale di velista), parte in solitaria con la sua barca moderna e attrezzatissima alla volta dell’isola di Ascensione, un paradiso in terra in mezzo all’Oceano Atlantico, fra l’Africa e il Sudamerica.

Nei momenti di bonaccia sfoglia un sontuoso volume illustrato che le mostra in anteprima quel che vedrà con i suoi occhi. Anche in situazioni estreme si sa destreggiare con grande perizia e nemmeno una tempesta di forza 9 le fa perdere il controllo.

Dopo la tempesta si trova non lontano da un battello alla deriva pieno di persone che hanno urgente bisogno di aiuto. Solo un ragazzo, nuotando disperatamente, riesce ad aggrapparsi alla barca di Rike.

Dopo reiterati sos, la guardia costiera ordina a Rike di non immischiarsi perché non ha i mezzi per essere d’aiuto, ma il suo senso di responsabilità la tormenta.
Se ne andrà sapendo che delle persone perderebbero sicuramente la vita?

Distribuito da Cineclub Internazionale Distribuzione di Paolo Minuto, Styx ha aperto la Berlinale 2018 nella sezione Panorama in cui ha vinto il Premio della Giuria Ecumenica. Insignito del Human Rights Film Award 2018 è stato finalista per il Lux Prize 2018 del Parlamento Europeo (insieme al vincitore La donna elettrica, film di apertura della nostra rassegna Cineforum Mon Amour il 15 febbraio 2019). È anche tra i cinque film nominati come miglior film ai Premi Efa universitari (EUFA) 2018, oltre ad essere candidato agli Efa (Oscar Europei) 2018.

Il regista: Wolfgang Fischer

Wolfgang Fischer è nato a Vienna. Nell’università della capitale austriaca ha studiato psicologia e pittura. Successivamente ha studiato cinema presso l’Accademia d’arte di Düsseldorf e all’Accademia di Media Arts (KHM) di Colonia.

Oltre a diversi incarichi come insegnante, ha lavorato come assistente per Paul Morrissey e Nan Hoover. Ha ricevuto una borsa di studio dal Munich Screenplay Program e dal Equinoxe Europe.

La sua filmografia comprende: In Time (sperimentale, 1994), 9h11 (1999), Remake of the Remake (documentario, 1999), Disk – Dusk (1999), Schoen 2000 (2000), Grau (2001) e What You Do Not See (2009). Dopo Styx (2018), Fischer sta lavorando a The Bear e alla serie The Highway of Tears and Deserted.

L’attrice: Susanne Wolff

Susanne Wolff si è laureata alla “Hanover University of Music, Drama and Media”. Dal 1998 al 2016 è stata membro dell’ensemble al Thalia Theater di Amburgo e al Deutsches Theater di Berlino.

Nel 1999 ha vinto il “Boy-Gobert-Price” di Amburgo, mentre nel 2003 ha ricevuto il “premio per l’innovazione 3Sat” e nel 2006 il “Rolf Mares-Preis”. Per il cinema, la Wolff ha lavorato in The Stranger in Me, per il quale ha vinto il “premio per la migliore attrice” all’International Film Festival di San Paolo e al Young German Cinema Award.

Nel 2013 ha vinto il “German Television Award” come migliore attrice per Mobbing e nel 2017 ha ricevuto la “Goldene Kamera” per la serie tv Tomorrow I Quit. Susanne Wolff ha avuto un ruolo da protagonista nel film di Volker Schlöndorff Return to Montauk, presentato in anteprima internazionale alla Berlinale 2017.

Cineclub Internazionale Distribuzione

Cineclub Internazionale Distribuzione nasce con l’obiettivo di distribuire in Italia film indipendenti selezionati e premiati ai principali Festival internazionali.

La linea editoriale prevede la distribuzione di film prevalentemente internazionali e sempre in lingua originale con i sottotitoli italiani, per alcuni film la versione originale sottotitolata è affiancata dalla versione doppiata.

Cineclub Internazionale ricerca sempre un cinema dotato di forza espressiva e narrativa. L’altro criterio per determinare le scelte editoriali è di puntare a una distribuzione che duri nel tempo, arrivando, nella sua ultima fase, anche nei luoghi più periferici del Paese attraverso i circoli cinematografici e le associazioni culturali. In questo modo la fase delle uscite sul grande schermo può durare anche più di un anno.

Poi si passa al VOD (Video On Demand) e successivamente all’Home Video – la cui collana, partita con Ossidiana di Silvana Maja, è ripartita nel mese di ottobre 2019 con Sami Blood di Amanda Kernell (in programma nel nostro cineforum venerdì 29 marzo 2019) , grazie ad un accordo con Cecchi Gori Home Video.

Il film, ambientato tra il 1941 e il 1944 nella Francia occupata, è un condensato di scene madri che ben si prestano ad essere fruite da sole, quasi a mo’ di cortometraggi. Una delle più incredibili e affascinanti, per il modo in cui è stata confezionata, è proprio l’incipit, i primi 20 minuti del film.

In queste righe, senza pretese da manuale e senza scendere troppo in profondità, proverò a fare una personale analisi della scena cercando di evidenziare in cosa secondo me sono stati esemplari Tarantino e il direttore della fotografia Robert Richardson e in che modo i due attori Christoph Waltz e Denis Ménochet hanno contributo alla perfezione di questa mise-en-scène.

ATTENZIONE, SPOILER!
Do per scontato che abbiate già visto il film quindi non mi preoccuperò di rivelarne in anticipo alcuni punti salienti.

C’era una volta nella Francia occupata dai nazisti

Il film si apre con un campo lungo sulla campagna francese: nel mezzo si intravedono la figura di un uomo mentre taglia la legna e una donna intenta a stendere i panni. L’inquadratura successiva si sposta sui personaggi e si focalizza sulle loro attività. L’apparente tranquillità viene rotta dal suono in lontananza di un motore d’auto, elemento che viene rivelato dalla ragazza che, spostando il lenzuolo appeso, ci mostra la vettura in arrivo attraverso una cornice nella cornice. Parte la colonna sonora: Per Elisa riarrangiata da Ennio Morricone in chiave spaghetti western.
Arrivano i nazisti. Inizia lo spettacolo.

Hans Landa: il nazista gentile

Veniamo quindi a conoscenza di un altro personaggio che rivedremo a lungo nel corso del film: il colonnello delle SS Hans Landa interpretato magistralmente dall’attore austriaco Christoph Waltz, parte che gli valse il premio Oscar come miglior attore non protagonista lanciandolo nel mondo del cinema.

Landa si presenta a Perrier LaPadite, proprietario della casa e dei terreni circostanti. Ci appare subito autoritario, tende a dominare la scena soprattutto quando ci spostiamo in interni. Colpiscono allo stesso tempo la sua estrema gentilezza e affabilità che riusciranno addirittura a metterci a nostro agio.

L’inquadratura come forma d’arte

Ha inizio un lungo periodo in cui è evidente il lavoro del direttore della fotografia Robert Richardson, specialmente nell’uso dei campi e dei piani.

Il colonnello viene fatto entrare in casa. Con l’uso di un’ampia profondità di campo Richardson ci mostra in un’unica inquadratura tutti i protagonisti di questa storia: le figlie, il colonnello, Monsieur LaPadite e i soldati.

Landa fa la conoscenza delle figlie di LaPadite. Non è un ospite gradito, sappiamo che la sua presenza non porterà nulla di buono, lo intuiamo dalla tensione che traspare dai volti e dalle pose dei personaggi.

Come già detto, Hans Landa assume il totale controllo della situazione tanto da sembrare il padrone di casa: nell’accomodarsi, invita Monsieur LaPadite a sedersi.

I due fin dall’inizio parleranno in francese anche se Landa, preoccupato di apparire inadeguato, chiede a LaPadite di passare all’inglese: questo, come vedremo, sarà un espediente narrativo ricorrente in tutto il film.

La luce sul palcoscenico

A questo punto Richardson fa dell’utilizzo della luce un vero e proprio capolavoro scenico: l’ambiente buio che avvolge i due protagonisti viene squarciato da un’illuminazione spot proveniente dall’alto il cui rimbalzo sul tavolo funge da luce di schiarita ai volti degli attori. Una luce totalmente artificiale ma pienamente coerente: ci troviamo all’improvviso a teatro.

I due restano soli. Veniamo a conoscere le motivazioni per cui il colonnello si trova in Francia: radunare tutte le famiglie di ebrei che mancano all’appello. La composizione scenica è straordinaria e gratificante, ne siamo affascinati. La luce, i colori, i dialoghi: tutto è ben confezionato e paradossalmente ci sentiamo quasi a nostro agio. Dico “quasi” perché con un nazista in casa sappiamo che le cose potrebbero mettersi molto male. Ma il dialogo continua normalmente.

Hans Landa è alla ricerca della famiglia Dreyfus di cui LaPadite sa qualcosa. Scrive elegantemente e con estrema cura nel suo quaderno le informazioni e i nomi che il padrone di casa, con calma, gli fornisce: Jacòb, Miriam, Bob, Amos e Shoshanna. Tutto sembra tranquillo ma Richardson ci stupisce ancora una volta: con un bellissimo scavalcamento di campo ci annuncia che qualcosa nella storia sta cambiando. Prima di capire cosa, facciamo una breve divagazione.

Lo scavalcamento di campo

Che cos’è lo scavalcamento (o salto) di campo? E prima ancora, che cos’è il campo? In questo caso il campo è il piano creato dalla linea immaginaria che unisce lo sguardo dei due interlocutori. Se la macchina da presa rimane su un lato di questa linea, la relazione spaziale tra i due personaggi sarà coerente da inquadratura a inquadratura, anche se uno dei personaggi non sta sullo schermo. In un’alternanza di campi e controcampi il personaggio che volge lo sguardo a destra dovrà sempre essere inquadrato mentre guarda in questa direzione. Lo stesso per chi volge lo sguardo a sinistra. Questa regola prende il nome di regola dei 180°.

Quando la macchina da presa rompe questa regola siamo di fronte ad uno scavalcamento di campo (o salto di campo) che può essere giustificato da diversi motivi: una scena d’azione dove sia la macchina da presa che gli attori sono in movimento, un piano sequenza, l’inserimento di un nuovo personaggio che introduce una nuova linea immaginaria, il movimento degli attori nello spazio scenico.

Questione di sguardi

Torniamo ora ai nostri personaggi. In tutta la prima parte del dialogo abbiamo avuto Hans Landa a sinistra e LaPadite a destra. Il primo guarda sempre a destra e il secondo a sinistra. Osservate a questo punto che succede:

Dite la verità che vi è venuto un brivido lungo la schiena!
Non si tratta assolutamente di un errore, tantomeno di un vezzo di Richardson e Tarantino (come invece avviene troppo spesso e a sproposito anche per eccesso di formalismo). Con questo movimento di macchina lento e incessante veniamo informati che qualcosa nella storia sta cambiando, che stiamo giungendo ad un punto di svolta. E il punto di svolta non tarda ad arrivare.

La bomba sotto il tavolo

Con un altro movimento di macchina, stavolta una carrellata verticale, ci viene rivelato un dettaglio fondamentale che sconvolgerà la nostra attenzione nei minuti a seguire: LaPadite nasconde i Dreyfus sotto le tavole del pavimento, esattamente dove sta conversando con il colonnello delle SS.

A questo punto cambia tutto. Ora siamo certi che gli ebrei ci sono e molto probabilmente Hans Landa li scoprirà. Cominciamo ad agitarci, siamo colti da uno stato d’ansia e preoccupazione. Emozioni che prendono il nome di suspense e Tarantino non poteva darcene esempio migliore, riprendendo alla lettera quello che disse il grande maestro Alfred Hitchcock in una delle numerose interviste di François Truffaut riportata nel suo libro “Il cinema secondo Hitchcock”.

La differenza tra suspense e sorpresa è molto semplice e ne parlo spesso (…) Noi stiamo parlando, c’è forse una bomba sotto questo tavolo e la nostra conversazione è molto normale, non accade niente di speciale e tutt’a un tratto: boom, l’esplosione. Il pubblico è sorpreso, ma prima che lo diventi gli è stata mostrata una scena del tutto normale, priva d’interesse. Ora veniamo alla suspense. La bomba è sotto il tavolo e il pubblico lo sa, probabilmente perché ha visto l’anarchico mentre la stava posando. Il pubblico sa che la bomba esploderà all’una e sa che è l’una meno un quarto – c’è un orologio nella stanza – : la stessa conversazione insignificante diventa tutt’a un tratto molto interessante perché il pubblico partecipa alla scena. Gli verrebbe da dire ai personaggi sullo schermo: ‘Non dovreste parlare di cose banali, c’è una bomba sotto il tavolo che sta per esplodere da un momento all’altro’. Nel primo caso abbiamo offerto al pubblico quindici secondi di sorpresa al momento dell’esplosione. Nel secondo gli offriamo quindici minuti di suspense.

Alfred Hitchcock

Cosa succede dall’altra parte del campo

Da questo momento siamo dall’altra parte della linea immaginaria che collega lo sguardo dei due: LaPadite è a sinistra e Hans Landa è a destra.

Cambiano anche gli argomenti. Landa parla di sé e della fama che si è guadagnato come cacciatore di ebrei. Cominciamo a conoscerlo un po’ meglio. Veniamo a sapere che non condivide le posizioni antisemite della propaganda di Hitler e di Goebbels, piuttosto insegue un’ambizione strettamente personale e professionale. Conosciamo così quali sono le sue doti e qual è la sua vera passione: fare l’investigatore.

Elementare, Watson!

A questo punto tutto il discorso di Landa è un gioco mentale, un’esposizione delle tesi che stanno alla base di una buona indagine.

La nostra preoccupazione e quella di LaPadite aumentano esponenzialmente. Hitler ha scomodato Landa dalle sue alpi in Austria proprio perché lui sa dove un ebreo può nascondersi: “perché viene in mente a me, perché capisco di quale impresa incredibile un uomo sia capace una volta abbandonata la propria dignità”.

E qui abbiamo un altro capolavoro. E un nuovo scavalcamento di campo. Hans Landa estrae un oggetto, una vistosa pipa gialla che domina la scena. È una calabash e indovinate a quale personaggio del cinema e della letteratura è appartenuta? Niente po’ po’ di meno che a Sherlock Holmes, il più grande di tutti gli investigatori. È la conferma che Landa ha capito tutto. Quella pipa significa: “so che stai mentendo!”.

Avete notato lo scavalcamento di campo? Stavolta è stato netto, repentino. Le cose si stanno mettendo veramente male, Hans Landa mette alle strette Monsieur LaPadite costringendolo a confessare il nascondiglio degli ebrei sotto le tavole del pavimento. La macchina da presa passa per la prima volta ad un primo piano frontale di Landa in cui possiamo ammirare il cambio di espressione di Christoph Waltz: premio Oscar strameritato.

LaPadite è stremato.
È finita. Aspettiamoci solo il peggio.

Il tragico epilogo

Si torna a parlare in francese. Landa, non sentendo mormorii da sotto il pavimento, intuisce che i Dreyfus non hanno compreso il dialogo in inglese e gli fa credere di volersi congedare. LaPadite rimane impietrito sulla sedia mentre Landa esce dalla casa e, fingendo di richiamare dentro le figlie, chiama i tre soldati. L’inquadratura dei soli piedi dei soldati che entrano in casa intimorisce anche noi, quasi fossimo nascosti insieme ai Dreyfus. La tensione è palpabile e la colonna sonora non fa altro che esasperarla.

Con un gesto autoritario, quasi a recitare una poesia solenne, Landa ordina ai suoi di sparare al pavimento nel punto esatto in cui si trovano i Dreyfus. Con un’inquadratura dall’alto si consuma tutta la tragedia. I pezzi di pavimento che volano ovunque sono la sequenza più violenta di questi primi venti minuti di film.

Landa si accorge che la ragazza (Shoshanna) è ancora viva e riesce a fuggire all’esterno. Un’inquadratura della porta di casa, altra cornice nella cornice, ci mostra Shoshanna in fuga.

Hans Landa, lentamente, varca l’uscita e condivide per un momento lo stesso spazio bidimensionale della ragazza. Shoshanna è in trappola.

Landa estrae la pistola e la punta in direzione di Shoshanna.

La ragazza è terrorizzata. È tutta ricoperta del sangue dei suoi famigliari.

Au revoir, Shoshanna!

Landa rinuncia allo sparo e, a piena voce, pronuncia una frase che è entrata nella storia del cinema: “Au revoir, Shoshanna!”
Ed è certo che si rivedranno.

La scena si chiude così come è iniziata, con un campo lungo sulla campagna francese – ma dalla parte opposta.

E ancora una volta, il cinema è servito.