Per tutte le serate, a partire dalle 19:30, sarà presente l’osteria itinerante Nonna Lille.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Concerto jazz del trio Kalimbata

Venerdì 12 giugno ore 21.00

La Kalimba, il vibrafono, il balafon (un particolare tipo di xilofono africano caratterizzato da una distorsione naturale molto affascinante), l’organo hammond con i suoi bassi viscerali, una miriade di percussioni: sono queste alcune delle alchimie timbriche che condiscono ritmiche dal sapore afro jazz e tribale. 

Luigi Vitale – vibrafono, balafon, kalimba, steel drum, percussioni
Gianpaolo Rinaldi – organo hammond, sintetizzatore
Luca Colussi – batteria e percussioni

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Kalimbata

Cinema all’aperto: Gioia mia

di Margherita Spampinato

Venerdì 19 giugno ore 21.00

Nico, un bambino vivace, scontroso e impertinente, cresciuto in una famiglia laica, in un mondo moderno, tecnologico e iperconnesso, è costretto a passare l’estate in Sicilia, ospite di un’anziana zia, signorina religiosissima e scorbutica che vive sola, in un antico palazzo pieno di leggende e superstizioni, senza wi-fi né elettrodomestici, senza nessun tipo di tecnologia, completamente fuori dal tempo.

Ingresso: 4,00 €

Vai alla pagina del film: Gioia mia

Concerto jazz mediterraneo del duo SADA

Venerdì 26 giugno ore 21.00

Sada è un duo acustico formato da Sarra Douik (voce e oud) e Marco Centasso (Contrabbasso). Nato nel 2023 tra Venezia e Vicenza, Sada è l’eco di un dialogo che attraversa il Mediterraneo. L’intreccio tra la voce sognante e il dialogo costante tra oud e contrabbasso danno vita ad una conversazione musicale intima e profonda. Da questo dialogo nasce una voce unica, capace di trasmettere emozioni e memorie, di dare spazio a chi ha bisogno di farsi ascoltare.

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Sada ﺻ َ ﺪَى

Cinema all’aperto: Gli anni in tasca

di François Truffaut

Girato nell’estate del 1975, racconta l’infanzia attraverso una coralità di piccoli episodi quotidiani, sospesi tra leggerezza, scoperta e fragilità. Con uno sguardo insieme poetico e realistico, il film segue bambini e adolescenti nel delicato passaggio verso la crescita, restituendo tutta la grazia, la crudeltà e la vitalità dell’età infantile.

Ingresso: 4,00€

Vai alla pagina del film: Gli anni in tasca

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

La parola ai giurati (Twelve Angry Men, USA 1957), prima regia cinematografica film di Sidney Lumet, ebreo americano attivo fino a quel momento soprattutto in produzioni per la televisione, è un film quasi didattico, una specie di lezione di educazione civica. È una parabola sul senso della giustizia, sui principi che regolano il sistema giudiziario di un paese civile: anche se il film racconta una storia molto verosimile, la trama non si basa su una vicenda reale ma su una situazione di finzione, costruita in modo da permettere di analizzare le dinamiche del confronto tra opinioni e personalità in uno spazio-tempo limitato e di trasmettere un messaggio, un insegnamento.

Per questo:

• i protagonisti non hanno nome (salvo due eccezioni): sono anonimi perché sono costruzioni psicologiche e sociologiche emblematiche di componenti diverse della società americana in modo da costituirne un campione rappresentativo: di ciascuno all’inizio non sappiamo niente e veniamo a conoscere il carattere e qualche dato della biografia solo nello sviluppo della vicenda, attraverso i dialoghi;
• la sceneggiatura è tratta da un testo di tipo teatrale¹ ed affidata allo stesso drammaturgo (Reginald Rose, scrittore per la tv non particolarmente noto al di là di quest’opera); ha naturalmente un peso determinante nella costruzione del film, che consiste soprattutto in dialoghi e confronti drammatici;
• il rilievo delle interazioni personali e, appunto, dei dialoghi rende molto rilevante anche la prestazione degli attori tra i quali l’unica vera star è Henry Fonda, che spesso ha rappresentato con volto e persona il quiet american, il cittadino onesto e responsabile, cui a volte vengono affidati incarichi di rilievo, e che qui si propone come icona fondamentale di questo tipo di personaggio; gli altri sono tutti sotto-divi, attori importanti ma in genere non protagonisti, che nel tempo abbiamo visto in molte produzioni, come Martin Balsam (giurato 1), Jack Warden (7), Lee J. Cobb (3), Ed Begley (10) Robert Webber (12) Jack Klugman (5) E.G. Marshall (4) e che qui danno concretezza e realtà ai tipi sociologici costruiti dal testo;
• non si tratta di un film processuale classico: non vediamo il dibattimento in aula e gli avvocati non compaiono neanche; narrativamente la cosa viene giustificata dal giurato 8 che osserva che il difensore era un avvocato d’ufficio, poco interessato al caso, che ha assolto il suo compito svogliatamente e senza scrupolo; questo permette di dare luogo a una specie di revisione del processo da parte dei giurati che ne ripercorrono alcune fasi e si interrogano sul significato di quello che è accaduto in aula.

2. Tratta da un testo (quasi) teatrale, la sceneggiatura propone – come succede in questi casi – una sfida al regista offrendo l’esempio di come un limite “esterno” (l’unità di spazio e tempo) spinga a cercare “intensivamente” soluzioni di regia ricorrendo a variazioni di inquadrature, movimento e montaggio. Per questo la camera cambia spesso posizione e le inquadrature sono studiate in modo da evidenziare e chiarire le dinamiche del gruppo, stringendo su singoli, coppie o piccoli gruppi di personaggi nel momento in cui gli sviluppi del confronto ne evidenziano i caratteri, gli aspetti della storia personale e le posizioni (e la loro evoluzione) o allargando a tutto il gruppo (o quasi) nei passaggi in cui avvengono svolte di respiro generale nella situazione.

Tre esempi:

1. L’incipit del film propone un movimento ascendente della camera dalla base delle colonne verso il frontone della facciata dell’edificio neoclassico che presenta un’iscrizione, un motto solenne. Siamo in un tempio il cui stesso aspetto ci trasmette un senso di rispetto per la sacralità dell’istituzione, che fa da premessa al messaggio civile che il film intende trasmettere. Uno stacco di montaggio ci porta all’interno (monumentale quanto l’esterno) dove la camera scende dalla cupola verso il basso e ci fa vedere diverse persone incrociarsi anonime nell’atrio del palazzo. Il nesso già ci propone l’idea di come la maestà della legge, nella sua generalità di principio, si applica alle situazioni particolari dei singoli, nei quali infatti subito dopo ci imbattiamo da vicino in un modo che ci permette di considerare la loro individualità. Infatti un uomo passa davanti alla camera, che lo segue per circa 10 secondi, poi lo abbandona seguendo per 3-4 secondi un altro uomo che esce dall’ascensore, per passare a un terzo che esce da una porta e raggiunge un gruppo di persone con cui – pare – si felicita per la conclusione di un processo, e quindi arrivare alla stanza (numerata col 228) dove si svolge l’udienza che veramente ci interessa e dove la camera sosta davanti alla porta, facendoci capire che quello che accadrà lì dentro è l’argomento della storia e l’oggetto della nostra attenzione. Questa breve sequenza introduttiva dura solo 1 minuto e questi tre personaggi poi verranno del tutto abbandonati ma – non sapendolo – quando li vediamo ci interessiamo di loro per un istante perché l’inquadratura li mette in rilievo per poco facendoci immaginare per ciascuno una vicenda e un’individualità compiute e dotate di dignità quanto quella che stiamo per considerare. È già una piccola lezione di democrazia la cui semplicità la rende adatta al grande pubblico. Come se si dicesse: “Caro cittadino-spettatore, potremmo raccontarti diverse storie, perché ciascuna sarebbe umana e degna di interesse e ci metterebbe di fronte a questioni morali vitali e rilevanti. Ne scegliamo una proprio perchè ci pare emblematica e il suo significato si riflette su tutte le altre e ci dà insegnamenti importanti sul senso generale del rispetto, dell’uguaglianza e della giustizia”.
2. Quando, nel corso della discussione, uno dei giurati cambia opinione per primo sulla colpevolezza o meno dell’imputato, lo fa in una votazione segreta, dopo la quale gli altri si chiedono chi abbia “tradito”. In quel momento la camera inquadra dapprima 4-5 giurati in piedi, con al centro, seduto, il giurato 9. È lui che ha cambiato idea, ma noi ancora non lo sappiamo. Poi la camera stacca e mostra un confronto in cui il giurato 3, che è — diciamo — il più radicale e aggressivo, accusa il 5 di essere il “traditore”. Prima i due sono inquadrati assieme ad altri, poi la camera si avvicina e stringe su di loro, quindi un primo piano solo sul giurato 3 in collera (con due brevi stacchi su Fonda, il giurato 8, attento al confronto). A questo punto interviene la voce fuori campo del giurato 9 che, inquadrato in primissimo piano, contraddice la sua iniziale apparente passività e remissività e rivendica apertamente la propria decisione, per poi spiegare con convinzione le proprie ragioni in un’inquadratura quasi simmetrica alla precedente, presa da un punto di vista più o meno opposto, in cui lui è in piedi mentre parla e gli altri lo ascoltano con attenzione da seduti.
3. Nella sezione conclusiva del film, in due diversi momenti, due giurati, il n. 3 e il n. 10, manifestano la loro opinione in modo tale da mettere in luce i propri sentimenti profondi. Nel primo caso quella che si rivela è un’aggressività naturale straordinaria, quasi una sete originaria di violenza e vendetta a prescindere dalle ragioni; nel secondo caso invece si mette in luce un pregiudizio sociale cieco nei confronti di chi si trova in posizione marginale. In entrambi i casi la regia evidenzia l’isolamento dei due giurati, di fronte alle motivazioni dei quali gli altri si ritraggono ed esprimono un senso di rifiuto attraverso i movimenti, evidenziati dalla posizione della camera.
   
   La tirata furiosa del giurato 3  è ripresa dal punto di vista degli altri giurati, divisi in due gruppi al centro dei quali si vede più in fondo il giurato 3 che dà sfogo alla sua rabbia. Il montaggio la evidenzia con un primissimo piano, a cui si contrappone subito il primissimo piano del giurato 8 che gli dà del sadico, provocandone la reazione violenta, quindi — dopo l’ingresso della guardia richiamata dal clamore — il gruppo dei giurati (gli esseri umani) viene ripreso in una visione d’insieme, dalla quale viene però appunto escluso chi si è appena rivelato disumano, che infatti passa davanti alla camera ed esce dall’inquadratura, mentre tutti degli altri restano a guardarlo con desolazione (è l’inquadratura della foto di copertina di questo articolo). Diversamente, la predica antisociale a cui il giurato 10 si abbandona dopo una delle ultime votazioni, è ripresa prima mostrando in campo medio l’uomo che parla con foga, poi indietreggiando fino a un’inquadratura (quasi) fissa in campo lungo (della durata di un paio di minuti) che mostra come tutti i giurati, inizialmente seduti attorno al tavolo, mentre lui parla si alzino uno alla volta dandogli le spalle e manifestando così il loro rifiuto.

3. La parola ai giurati è un film che funziona sempre e fa bene alla salute: chi non l’ha visto è certamente il caso che lo veda. L’ho usato spesso a scuola, specie in passato, proprio per ragionare — ovviamente — su temi di educazione civica, e ho in mente alcuni studenti che ricordavano che il mio primo incontro con loro, in ore di supplenza, al biennio, prima che diventassi il loro prof., era avvenuto proprio attraverso questo film. Forse, se avessi dovuto scegliere a mio gusto un classico per una proiezione estiva avrei preferito qualcos’altro ma, se guardiamo ai tempi che corrono, la scelta di questo film è perfettamente sensata e opportuna proprio sul piano politico e civile. Mi spiego partendo dal personaggio di uno dei giurati, il n. 11, interpretato da un attore tra i meno noti del gruppo, George Voskovec, di origine cecoslovacca, a cui viene naturalmente affidato il compito di rappresentare il neoamericano, il cittadino immigrato che, proprio per questo, considera con grande rispetto, quasi con reverenza, le istituzioni politiche e giudiziarie del paese di cui ora fa parte, mostrando un senso civico superiore a quello di chi la cittadinanza l’ha sempre avuta e tende a darla per scontata con i diritti e i doveri che ne conseguono. La domanda — in tempi (i nostri) di discussione aperta proprio sulle questioni della cittadinanza — è naturalmente: quanto ce n’è in giro oggi di senso civico (o, più sostanzialmente, di senso di umanità)? Di fronte all’aggressività cieca o al razzismo sociale dei giurati 3 e 10, che abbiamo descritto sopra, quanti oggi manifesterebbero il senso di repulsione e rifiuto che provano gli uomini del 1956, per quanto tutti abbastanza angry?

Ci sono in generale, due giustificazioni teoriche di massima del conservatorismo ideologico. La prima è quella classica, che comprendo, anche se non mi trova molto d’accordo, cioè quella secondo cui, per gestire le dinamiche della società ci vogliono competenze che non tutti hanno, per cui il potere va dato a un’élite della quale il popolo al massimo può avere il potere-dovere di controllare le mosse votando ogni tanto o rendendo esplicite approvazioni e disapprovazioni: al bar, in rete o in altro modo. Il problema è la seconda, di cui oggi ci troviamo di fronte esempi evidenti e disgraziatamente collocati in importanti posizioni di potere: quella per cui chi possiede un fattore di forza è legittimato a usarlo senza scrupoli contro chi non ne possiede o contro chi, anche possedendone, si fa degli stupidi scrupoli e non ne fa uso per massimizzare il proprio vantaggio. Chi si preoccupa degli altri (dei deboli, dei diritti, dell’ambiente…) è semplicemente un fesso, che è giusto e ragionevole venga sottomesso e reso marginale dalla potenza di chi è in grado di rendere il mondo un campo di lotte in cui non ci sono regole se non la logica della forza.

Uno scrittore inglese contemporaneo, Jonathan Coe, da decenni analizza nei suoi romanzi questa tendenza di un versante della politica contemporanea a sacralizzare l’egoismo sociale, la spietatezza e il cinismo, scegliendo l’epoca della Thatcher come punto di svolta. Coe legge nel nostro presente un’espansione di questa corrente della mentalità capace di ingombrare una parte rilevante del nostro orizzonte storico e di mettere in minoranza l’idea originaria che lo stato debba essere al di sopra della forza degli individui e usare la propria forza istituzionale per spingerli (o costringerli) a mediare.

Questa seconda concezione del rapporto tra élite e popolo è oggi (per disgrazia e paradosso) straordinariamente popolare, giustificata da vari operatori dell’informazione e condivisa da parecchia gente, forse per la ragione nota che il popolo di adesso preferisce essere guidato da qualcuno che gli somiglia e non — come accadeva una volta, anche solo ai tempi della DC e del PCI — da qualcuno che, in quanto migliore, sia però diverso. E di fronte all’affermazione di questa tendenza forse l‘unico atteggiamento veramente sensato è proprio quello del giurato n. 8, Henry Fonda, il signor Davis (il cui nome si scopre — quasi unico — nel finale), che affronta gli alfieri del dis-rispetto con tutto il rispetto, la pazienza e la pacatezza di cui è capace, senza disprezzarli proprio perché lui umano lo è sul serio e completamente, e provando, a colpi di ragionevolezza, a convincerli che la civiltà non ha davanti altra strada che quella della civiltà, cioè della comprensione, della mediazione e della prudenza. Magari a volte ci sembra impossibile che ce la si possa fare, di questi tempi. Ma altrimenti?

Annotazioni

(1) Twelve angry men è stato proposto per la prima volta nel 1954 come episodio di una serie Tv della rete CBS, ma negli anni, oltre al cinema, è stato adattato spesso per rappresentazioni teatrali.

(2) Fonda era stato il giovane avvocato Abramo Lincoln in Alba di gloria di John Ford (Young mr. Lincoln, USA 1939), l’eroe onesto e altruista Tom Joad in Furore, sempre di Ford (Grapes of Wrath, USA 1940), il semplice cittadino innocente scambiato per un criminale in Il ladro, di Alfred Hitchcock (The Wrong Man, USA 1952), ma sarebbe stato poi anche il politico integro e idealista, rispettivamente segretario di stato e presidente degli USA, in Tempesta su Washington di Otto Preminger (Advise and Consent, USA 1962) e in A prova di errore dello stesso Lumet  (Fail Safe USA 1964).

(3) È la sede del Tribunale della contea di NY, edificio neoclassico costruito ai primi del ‘900.

(4) Citiamo come esempi uno dei primi romanzi di Coe, La famiglia Winshaw (What a Carve Up! – 1995 -, pubblicato negli USA col titolo The Winshaw Legacy)e il più recente, La prova della mia innocenza (The Proof of My Innocence – 2024). Tutti i romanzi di Coe sono tradotti in italiano da Feltrinelli.

(5) Un noto sedicente giornalista (che non nomino), spesso invitato in dibattiti e programmi di informazione a dare il suo illuminato contributo, presenta un suo recente libro (che non nomino) con lo slogan “L’egoismo è il motore del mondo. Senza l’egoismo per la propria famiglia, senza l’egoismo per i propri interessi economici, senza l’egoismo che ogni giorno pratichiamo, non ci sarebbero sviluppo e progresso. Diffidate dei buoni samaritani che dicono di agire per il bene comune. Sono spesso degli impostori”.

Scopri il programma della nuova edizione di Fuori dal Cinema 2026.

Il Circolo Cinematografico Enrico Pizzuti presenta la decima edizione di Fuori dal Cinema, la rassegna estiva nel giardino del Cinema Turroni a Oderzo. Quattro serate di musica e cinema a partire dal 13 giugno 2025, ogni venerdì fino al 4 luglio 2025.

Per tutte le serate, a partire dalle 19:30, sarà presente l’osteria itinerante Nonna Lille.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Vermiglio

di Maura Delpero

Venerdì 13 giugno ore 21.00

Vermiglio racconta dell’ultimo anno della seconda guerra mondiale in una grande famiglia e di come, con l’arrivo di un soldato rifugiato, per un paradosso del destino essa perda la pace, nel momento stesso in cui il mondo ritrova la propria.

Ingresso: 4,00 €

Vai alla pagina del film: Vermiglio

Minimal Klezmer

Venerdì 20 giugno ore 21.00

Minimal Klezmer è un quartetto nato a Londra nel 2011 dall’incontro di quattro musicisti accomunati da una formazione classica, un’attitudine all’improvvisazione, una certa affinità con l’estetica dadaista e una passione travolgente per la musica klezmer. 

Francesco Socal: clarinetto, sax, voce
Roberto Durante: piano, fisarmonica
Pietro Pontini: violino, viola
Enrico Milani: violoncello

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Minimal Klezmer

Concerto etnoclassico

Venerdì 27 giugno ore 21.00

Un viaggio attraverso culture, epoche e paesaggi sonori dai paesi latini all’Est Europa, guidato dalle parole e dall’esecuzione alla fisarmonica del maestro Roberto Daris.

Ingresso libero

Vai alla pagina del concerto: Concerto Etnoclassico

La parola ai giurati

La parola ai giurati (12 Angry Men) nasce da un’opera teatrale che racconta la storia di una giuria composta da dodici uomini chiamati a deliberare sul destino di un giovane accusato di aver ucciso il padre. Inizialmente, undici giurati sono convinti della sua colpevolezza, ma uno di loro, il Giurato n. 8, solleva dei dubbi, dando inizio a una discussione tesa e carica di emozioni.

L’opera affronta temi come il ragionevole dubbio, il pregiudizio e la complessità dei sistemi giudiziari, mentre i giurati si confrontano con i propri preconcetti e cercano di raggiungere un verdetto unanime.

Ingresso: 4,00€

Vai alla pagina del film: La parola ai giurati

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

Invece, ancora, la risposta alla domanda è: “Io non direi”. Zelig propone una radiografia della civiltà occidentale – e della sua capacità di tritare l’individuo per trasformarlo in una massa informe – che funziona ancora piuttosto bene per il nostro tempo. Ai tradizionali ingranaggi (industria, media, conformismo della mentalità…) se ne sono aggiunti altri estremamente sofisticati (la rete, i social…) e impensabili per l’immaginazione umana di allora, anche di quella di una coscienza acuta e profetica come quella di Woody Allen. E ancora il mondo ti impone di appartenergli ed essere non quello che vuoi tu ma quello che serve, qualcosa di utile al funzionamento del sistema complesso che lo tiene in piedi e che ha molto di non umano. 

Di questo sistema un organo vitale è la comunicazione, alla quale appartengono fenomeni antichi, ma che si presentano in forme nuove e, a quel tempo, ancora senza nome (oggi li chiamiamo per esempio fake news o shitstorm). L’intuizione di questi fenomeni – tradotta nella scelta di scrittura e regia di mescolare falso e vero in modo a prima vista indistinguibile – dimostra veramente una capacità non comune di guardare lontano, una intelligentissima sensibilità ai nodi problematici di fondo della nostra condizione. 

Eppure, anche se il film (vecchio ma, appunto, non troppo) mette a fuoco benissimo alcune dinamiche storiche di fondo della civiltà del nostro tempo, la prima chiave di lettura che Zelig sollecita è quella esistenziale. Il dramma che sta al centro del film è quello personale, che tutti abbiamo vissuto prima o poi: la pressione della società e della mentalità sulla nostra personalità, sul desiderio che ognuno ha di crescere libero e unico e, allo stesso tempo, di essere amato e apprezzato. E su questo Woody Allen ha costruito, grazie al meraviglioso equilibrio tra comico e tragico che è una delle cifre della sua scrittura, una situazione emotiva esemplare: da un lato siamo liberi di riflettere in modo perfettamente lucido sui problemi di cui il film ci parla, dall’altro resta spazio per una compassione sottilissima per la sorte del disgraziato protagonista in cui sicuramente ritroviamo qualcosa di noi e della nostra difficoltà di stare al mondo. 

E ancora: è un film in cui si anticipa e prevede la nostra ossessione per il corpo, inventando un potere inspiegabile di trasformazione che oggi ci risulta facile pensare come una specie di archetipo dei nostri tentativi presenti di modellare e scolpire il fisico, tatuandolo, inserendoci aggeggi vari e comunque controllandone la forma attraverso protocolli scientifici di esercizio muscolare. Il sistema che ci fa vivere non è una realtà puramente esterna a noi, ma condiziona sia il nostro spirito che, potremmo dire, la nostra struttura genetica, in modi di cui siamo a stento consapevoli e che in sostanza subiamo.

Infine: Zelig è anche una storia d’amore dolcissima e commovente, tanto più quanto maggiori sono la discrezione e la lontananza dal patetico che ne caratterizzano il racconto: la “dichiarazione d’amore” in cui il protagonista rivela i suoi sentimenti è uno degli esempi più originali ed emozionanti del genere nella storia del cinema. E chi ha visto il film all’epoca forse ricorda il sentimento di tenerezza e ammirazione per Mia e Woody, questa coppia deliziosa, in apparenza ideale – due persone belle, buone, intelligenti e brave – che un po’ tutti abbiamo provato allora. Ebbene: anche ripensare a quello che – imprevedibilmente – poi è successo a questa coppia, al paradosso per cui Woody Allen si è sentito scaricare addosso gli effetti di molte dinamiche malate della comunicazione su cui aveva puntato il dito, ci dice qualcosa sul nostro tempo e sulla nostra condizione: ci fornisce i termini per chiederci, più di quanto già facciamo quotidianamente e in modo più sensato se, in che modi e fino a che punto ci sarà possibile sfuggire al nostro destino storico e sociale di esseri mutanti.

“La società non esiste, esistono solo gli individui”. La frase è di Margaret Thatcher (pare), ma forse anche Billy Wilder avrebbe potuto trovarsi d’accordo, visto che è molto difficile trovare nei suoi film – dalle commedie ai drammi – personaggi le cui azioni non siano motivate solo o soprattutto dall’interesse personale o da qualche profondissima passione-ossessione. Ma quasi certamente quello che per la lady di ferro inglese, ultraliberale e paladina dei ricchi e della società competitiva, è stato uno slogan di combattimento, era invece per Wilder una constatazione piuttosto amara, anche se indiscutibile. La politica non è certo un tema centrale nella produzione del regista euro-americano, ma si può dire che quasi tutte le vicende umane che ci ha proposto nel corso della sua lunga attività si svolgano sullo sfondo di una realtà in cui è chiaro che la compassione e la solidarietà non sono la regola. Quindi: il capitale e il mercato sono quasi un’ovvietà da dare per scontata. Ma non per questo sono il sistema adatto a rendere l’uomo felice, anzi.

“Uno, due, tre!” è stato girato in un momento storico straordinario, cioè pochi mesi prima che il governo della Germania comunista mettesse in atto la decisione di costruire il muro di Berlino, uno dei simboli della guerra fredda e insieme uno dei luoghi critici della storia di tutto il ‘900, una linea lungo la quale i due massimi sistemi della politica si sono a lungo confrontati con intensità producendo quasi sempre attrito e frizione. Wilder colloca proprio su questo margine problematico una vicenda¹ da cui, al di là della sua apparenza farsesca, riesce a ricavare una straordinaria sintesi in termini di interpretazione storica: in uno stesso luogo geografico il mondo del capitale e del mercato si incrocia da un lato con i residui di uno dei più spietati e sanguinari regimi di ogni epoca, fortunatamente decaduto, dall’altro con un sistema non molto diverso quanto a capacità di opprimere e sterminare, ma nel pieno – o quasi – della sua fortuna. Apparentemente il confronto è risolto in modo sbrigativo: la disumana e cieca rigidità del nazismo non suscita nessun rimpianto, né si può provare attrazione per l’idiozia violenta congenita al comunismo, che non si può ritrarre se non facendone la caricatura. Ma questo non vuol dire che il capitalismo sia un prato fiorito.

Infatti il bieco realismo calcolatore e senza scrupoli, che permette all’aggressivo C.R.² McNamara, dirigente – non a caso – della Coca-cola, di stare a galla sopra gli altri nel mare tempestoso dell’economia, da un lato sembra far parte della sua natura come una seconda pelle, ma dall’altro lo rende un individuo per diversi aspetti odioso. Il fatto che in apparenza se ne freghi, dall’alto della sua ricchezza e autorità, non lo rende in realtà meno solo e insopportabile, specialmente alle persone che gli sono affettivamente più vicine, e non aiuta certo a sfrondare il sottobosco di opportunismo che gli sta intorno e che condiziona tutti i suoi rapporti umani. 

La felicità? Non si vede. Forse non c’è: né per chi comanda né per chi si piega e obbedisce in modo da tirare avanti. O comunque non si può chiederla alla politica, il che attenua in modo decisivo i pregi che comunque l’Occidente liberale conserva rispetto ai totalitarismi. È davvero faticoso vivere la tensione di un mondo in cui è normale che il progresso non abbia realmente ridotto il peso e la drammaticità della lotta per sopravvivere: il complesso produttivo e commerciale preme sugli individui con una forza smisurata alla quale essi non possono resistere e che quindi trasforma la loro esistenza nel profondo. Ma non nei lenti e graduali tempi darwiniani dell’evoluzione: la spietatezza del sistema occidentale richiede di essere pronti a rinunciare, immediatamente (Uno, due, tre!) e volentieri, senza disperdere energie in inutili piagnistei, a qualsiasi self, anche agli aspetti della propria identità che un momento prima si consideravano irrinunciabili. 

L’Occidente è una trottola, una giostra, per star bene sulla quale bisogna essere in grado di vivere in una dimensione di eterna adolescenza, conservando l’età mentale di una quattordicenne, come fa Rossella/Scarlett Hazeltine, un’autentica woo girl ante litteram, l’unica ad accogliere ognuna delle molte piccole e grandi sorprese che si accavallano nella trama della vicenda con un urletto entusiasta come di fronte a una novità della moda. Per gli adulti, invece, come McNamara e come noi oggi, la vita è più dura. Perché è vero che il mondo è molto cambiato, che non ci sono più le grandi ideologie – con il loro carico minaccioso di guerra potenziale – rispetto alle quali il genio del Billy Wilder sceneggiatore (con Ira Diamond) riesce a trovare quasi sempre la leggerezza e l’equilibrio di chi ha i tempi comici sulla punta della dita, facendoci ridere di cose spaventose. Ma è anche vero non solo che le cose spaventose e le guerre anche oggi non ce le facciamo mancare, ma soprattutto che continuiamo a stare tutti sulla vecchia trottola, aggiornata dalla tecnologia che la fa correre molto più velocemente e vorticosamente rispetto a quei sessant’anni fa. 

Infatti, possiamo negare che anche a noi, che abbiamo più di 14 anni, le orbite di questo mondo di oggi – dopotutto non così diverso da quello di ieri – fanno girare parecchio la testa? Ebbene, (ri)vedere questo film ci fa capire meglio come è cominciata la faccenda, come funziona il meccanismo. E magari ci fa pensare che alcune delle cose spaventose che succedono oggi si spieghino proprio così: quando alla gente gira molto la testa, può succedere che, per cercare (presumibilmente invano) di rallentare o fermare il movimento, qualcuno provi a ricorrere ad arnesi ideali ancora più vecchi e scaduti rispetto alle grandi e terribili ideologie, ma comunque pericolosi, capaci – come purtroppo vediamo guardandoci attorno – di seminare in giro parecchio dolore e povertà. 

Di fronte a problemi di questo tipo (storici, geopolitici, sociologici…) e di queste proporzioni Billy Wilder si ferma sempre un passo indietro. La sua dimensione resta quella dell’individuo, la prospettiva del suo sguardo sulle cose resta quella dei minimi sistemi, delle strategie di sopravvivenza da inventare nel quotidiano. A lui, tutto sommato, la trottola non dispiace completamente, è un gioco antico e forse un po’ infantile ma sempre divertente. Non sappiamo se oggi sarebbe in grado di abituarsi anche alla nostra velocità o se rimarrebbe stordito dai nostri tempi di trasmissione e spostamento, ma immagino che avrebbe qualche mossa da suggerirci per migliorare il nostro adattamento al mondo. O almeno riuscirebbe a trovare il modo di divertirci anche in questi anni, in cui spesso possiamo avere l’impressione che da ridere non ci sia gran che. 

¹ Il soggetto è tratto da un testo teatrale scritto negli anni ‘20 da Ferenc Molnàr (lo scrittore ungherese dei “Ragazzi della via Pàl”)
² Del nome del protagonista, non a caso, sappiamo solo le iniziali.

Gli appuntamenti sono per venerdì 24 giugno, venerdì 1 e 8 luglio alle ore 21.00 in compagnia dello stand di SognandoBirra. Ingresso libero con offerta responsabile.

In caso di maltempo gli eventi si terranno all’interno del cinema Turroni. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Qui rido io

di Mario Martone

Venerdì 24 giugno ore 21.00

Agli inizi del ‘900, nella Napoli della Belle Époque, splendono i teatri e il cinematografo. Il grande attore comico Eduardo Scarpetta è il re del botteghino. Il successo lo ha reso un uomo ricchissimo: di umili origini si è affermato grazie alle sue commedie e alla maschera di Felice Sciosciammocca che nel cuore del pubblico napoletano ha soppiantato Pulcinella. Il teatro è la sua vita e attorno al teatro gravita anche tutto il suo complesso nucleo familiare, composto da mogli, compagne, amanti, figli legittimi e illegittimi tra cui Titina, Eduardo e Peppino De Filippo. 

Vai alla scheda del film: Qui rido io

My little brown book

Venerdì 1 luglio ore 21.00

Concerto dedicato a Billy Strayhorn, arrangiatore, compositore e pianista statunitense, noto soprattutto per la sua trentennale collaborazione col compositore e direttore d’orchestra Duke Ellington, per il quale compose e orchestrò molti dei brani che resero famosa la sua orchestra. Tra le sue composizioni più conosciute temi teatrali, come “Star Crossed Lovers” (Shakespeare), e “Take the ‘A’ Train”.

Davide Palladin – Chitarra
Bruno Cesselli – Pianoforte
Nicola Barbon – Contrabbasso

Uno, due, tre!

di Billy Wilder

Venerdì 8 luglio ore 21.00

Il signor MacNamara, direttore della Coca Cola di Berlino Ovest, viene avvertito dal suo direttore generale dell’arrivo della figlia Rossella, che si tratterrà a Berlino con i MacNamara un paio di settimane. In realtà, la ragazza si ferma due mesi e proprio quando stanno per giungere i suoi genitori che vengono a riprenderla, sparisce inspiegabilmente. MacNamara riesce a ritrovare la ragazza ma scopre anche che si è segretamente sposata con un insopportabile comunista di Berlino Est e che sta per partire con lui alla volta di Mosca.

Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

Gli appuntamenti sono per venerdì 25 giugno, venerdì 2 e 9 luglio, e sabato 17 luglio alle ore 21.00. Quattro serate ad ingresso libero (con offerta responsabile) nel giardino del cinema Turroni con la garanzia di posti distanziati ed ingresso regolamentato secondo le normative vigenti (vedi fondo pagina).

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, rimandata a data da destinarsi. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Effetto notte

di François Truffaut

Venerdì 25 giugno ore 21.00

“Per la prima volta al cinema…il cinema. Per la prima volta in un film…quelli che fanno un film. Per la prima volta la vita privata…di quelli che non hanno mai una vita privata. Un film sulla verità? Un film sulla menzogna? Un film sulla verità e sulla menzogna!”. Recitava così il trailer italiano del 1973 di Effetto notte, lo straordinario film meta-cinematografico di uno dei registi che più amiamo.

Vai alla scheda del film: Effetto notte

Le ombre di rosso

Venerdì 2 luglio ore 21.00

Dopo aver aperto la prima edizione nel 2016, ritornato Fuori dal Cinema Le ombre di Rosso con il nuovo album “Da sponda a sponda” che musica l’omonima raccolta del celebre poeta Luciano Cecchinel, vincitrice del Premio Viareggio per la poesia 2020.

Vai alla scheda del film: Le ombre di rosso in concerto

The Farewell

di Lulu Wang

Venerdì 9 luglio ore 21.00

Delicata commedia familiare che si sviluppa attorno ad una bugia a fin di bene per raccontare il contrasto tra due culture – quella cinese e quella americana – ponendo al centro le contraddizioni che esistono all’interno di ogni famiglia. Accolto con entusiasmo al Sundance Film Festival 2019, è stato molto apprezzato anche al Festival del Cinema di Roma.

Vai alla scheda del film: The Farewell

La corazzata Potëmkin

Sabato 17 luglio ore 21.00

Una delle più note e influenti opere della storia del cinema sonorizzata dal vivo da Roberto Durante e Vittorio De Marin con sintetizzatori analogici e campionatori. Tranquilli, il film dura solo 75 minuti!

Vai alla scheda del film: La corazzata Potëmkin

Misure di sicurezza per l’accesso al giardino

L’ingresso è libero con offerta responsabile, sarà consentito fino all’esaurimento dei posti disponibili e sarà regolamentato secondo le normative vigenti.

Inoltre:

• sarà presente un igienizzatore per le mani all’ingresso;
• sarà separato il flusso d’ingresso rispetto a quello d’uscita;
• sarà obbligatorio indossare la mascherina entrando e uscendo;
• sarà garantito il distanziamento dei posti a sedere;
• potrà essere rilevata la temperatura corporea all’ingresso;

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

“Un eroe dei nostri tempi è un filmettino da strapazzo,
scritto in venti giorni, di luglio, tutto scarruffato, in un momento di situazioni tremende e di insicurezza totale. Però è un film concettuale… Alla base del film c’è un concetto che spinge e insiste, è la storia di un uomo che ha paura. Avevo dato come sottotitolo al film appunto La paura”.¹

“Sordi era un cagasotto, un fifone che aveva paura di tutto.
E non c’è dubbio che alla base di Un eroe dei nostri tempi
c’è questo suo sentimento. Ancora nel 1996, a Biagi
che in un’intervista per la RAI lo lodava
per la sua magistrale interpretazione di don Abbondio,
Sordi elogiava la paura: «Biagi, la paura non è un peccato.
La paura è lo stato d’animo di una persona normale.
Perchè è normale avere paura. Anzi, io credo più a quelli
che hanno paura che a quelli che sono coraggiosissimi
e che ti spingono, magari, a fare qualche follia.²

“Allora io prendo la bomba, la butto e sfascio tutto!”

Immagino che a molti di noi una buona parte dei personaggi di Alberto Sordi ispiri una certa repulsione. Naturalmente ridiamo, sentendoci migliori di lui e incapaci della sua bassezza d’animo e della sua inconsistenza morale, ma la vigliaccheria, l’opportunismo e il servilismo dell’italiano medio come lui li rappresenta con la persona e la recitazione, ci sembrano – credo – esattamente quello che non vorremmo essere, né come individui né come paese. 

Eppure sentiamo che in quell’attitudine qualcosa di vero viene riprodotto, e la cosa ci inquieta perché ci rendiamo conto che proprio lì sembra trovarsi il nucleo di tanti problemi, la chiave del rapporto malato che c’è da noi tra individuo e collettività, viziato da infinite debolezze e minato alla base da una sfiducia cronica e reciproca tra cittadino e istituzioni.

Un eroe dei nostri tempi tocca precisamente questo problema. Come molti altri film di Sordi (e di Sonego), certo, ma in un modo più diretto, perché la paura morbosa di Alberto Menichetti non ha spiegazioni legate alla situazione del personaggio: Alberto sta bene, ha un lavoro, una famiglia (d’origine) e non ha grossi problemi al di là di questa ansia che si porta dentro e lo costringe ad essere meschino e untuoso: sempre, salvo quando crede di potersi permettere di essere arrogante. Potremmo discuterne, ma è probabile che questo personaggio sia tra i “peggiori” Sordi di sempre: si fatica a trovargli una virtù, una qualità positiva, un aspetto del carattere che si possa salvare. 

Ma detta così può sembrare che il film si regga su una macchietta, una caricatura. Invece non è così: anche se l’idea centrale non è poi molto consistente e sembra ridursi un po’ alla natura del protagonista, in realtà sono parecchi i richiami al presente e al passato recente che legano in modo diretto l’atteggiamento di Alberto alla mentalità di un paese che non ha ancora imparato cosa sia la libertà.

Attraverso il protagonista il racconto di Monicelli esplora con lo sguardo del senso comune quattro o cinque ambiti della società italiana dell’epoca, mostrando con molta semplicità che in nessuno di essi la modernità riesce veramente ad aprire una prospettiva nuova: le dinamiche del lavoro sono segnate da un autoritarismo refrattario a qualsiasi apertura, con il padrone che sperimenta cautamente il marketing e la tecnologia ma regna sull’azienda come un signore sui servi. La famiglia di provenienza è un polveroso deposito di tradizioni e tare familiari (l’ovetto, lo scialletto, le maglie di lana…), mentre i rapporti di coppia sono resi impossibili da un gioco di finzioni e raggiri, di paure e ritegni che rende impossibile a un uomo e a una donna (per esempio la straordinaria Franca Valeri o la giovanissima Giovanna Ralli) stare insieme e volersi bene normalmente, anche al di là dei comportamenti patologici di Alberto. Da questi meccanismi non è immune neanche il sistema sanitario, intravisto di sfuggita. Ma la peggio sacrificata è la dimensione pubblica, verso la quale veramente il timore e la diffidenza sono i sentimenti prevalenti. In un tempo in cui apparentemente per gli italiani si riapre, pur con mille difficoltà, lo spazio della discussione e la possibilità della politica, la totale mancanza di educazione alla libertà impedisce comunque a moltissimi cittadini, di cui Alberto è esempio e sintesi (“io non ho idee politiche…”), di vivere con dignità la propria appartenenza alla società. L’italiano ha introiettato la paura dell’autorità, l’accettazione dell’arbitrio, l’abitudine al dispotismo. E non cerca mai di superarli alzando la testa e reagendo con ragionevolezza e coraggio: prova invece ad esorcizzarli ricorrendo a precauzioni, stratagemmi e astuzie fatti della stessa pasta dell’autorità. Alla quale alla fine, in uno scontro decisamente impari, si sottomette sperando al massimo in qualche privilegio. Ed è questa attitudine che conduce Alberto ad una discesa fatale e grottesca che lo porta a sprofondare sempre di più nelle sabbie mobili in cui aveva il terrore di finire.

Il mondo è molto cambiato? L’Italia? Certamente. Ma qualche volta assistiamo a fenomeni che qualche perplessità ancora ce la fanno nascere. Siamo più liberi di Alberto Menichetti? Siamo sicuramente molto più capaci di esserlo, percorriamo lo spazio della società e della politica con molte più idee e sicurezza e fierezza. Ma la paura non ci è passata del tutto, non sono sparite la diffidenza reciproca tra cittadino e stato, c’è ancora in giro gente che la bomba la vorrebbe buttare e/o che vorrebbe spaccare tutto, al di là del paradosso per cui per decenni (forse secoli) l’attentato dinamitardo è stato il contrassegno dell’anarchismo, ma poi in realtà nella storia d’Italia alla fine le bombe vere le ha messe chi aveva l’obiettivo di suscitare la paura per ristabilire poi l’ordine a proprio modo. E se oggi siamo così, abbiamo serie ragioni per credere che sia anche perché è da lì che veniamo, dalle ansie e dalle astuzie di Alberto. E certamente Sordi ha avuto una straordinaria capacità naturale di percepire, raccogliere e riprodurre i vizi degli uomini del suo tempo, forse anche perché, appunto, in una certa misura gli appartenevano. Ma lo sguardo critico, la spietatezza dell’ironia, la capacità di ritrarre un mondo pensandone uno diverso, ricordiamoci che sono quasi del tutto di Rodolfo Sonego (ab). 

P.S. 1

Oltre (naturalmente) ai film e al libro di Tatti Sanguineti da cui sono tratte le due citazioni iniziali, libro grosso e abbastanza costoso (26 euri) ma molto divertente, per conoscere (scoprire) Rodolfo Sonego potete andare su Google e digitare: Come ridevano, i racconti di Rodolfo Sonego. Google vi manderà ad una pagina di Raiplay in cui si presentano le trasmissioni dedicate da Sanguineti a Sonego. Andate sulla sx e cliccate su “puntate e podcast”, quindi nell’elenco delle puntate, sempre sulla sx, cliccate su Come ridevano, i racconti di Rodolfo Sonego, dove finalmente trovate le puntate (10 di circa mezz’ora l’una) ascoltabili e scaricabili, con molti passaggi delle lunghe interviste da cui è stato tratto il libro e con interventi di decine di meravigliosi protagonisti della storia del cinema italiano, tra cui l’altro grande sceneggiatore veneto, il trevigiano Luciano Vincenzoni, lo scrittore di Signore e Signori di Pietro Germi.

P.S. 2

Due quiz. Il primo è facile: il film segna l’esordio nella recitazione di qualcuno che nel tempo avrà una certa importanza e notorietà nel cinema italiano. Vediamo se capite di chi si tratta (non vale guardare sullo smartphone, notate che non abbiamo fatto capire se è uomo o donna).

Il secondo dovrebbe essere meno immediato. Ad un certo punto nel film c’è una specie di “cameo”, di presenza del regista e dello sceneggiatore. Come quando Hitchcock compare per pochi secondi nei suoi film, ma meno: una cosa piccolissima. Vediamo se ve ne accorgete.

¹Rodolfo Sonego in: Tatti Sanguineti, Il cervello di Alberto Sordi – Rodolfo Sonego e il suo cinema, Adelphi, Milano 2015, p.164.

² Tatti Sanguineti, Il cervello di Alberto Sordi – Rodolfo Sonego e il suo cinema, p.163. La trasmissione di Biagi citata è Il fatto del 7/4/1996

Gli appuntamenti sono per mercoledì 8, 15, 22 e 29 luglio 2020 alle ore 21.00, quattro serate per quattro film che abbiamo amato, legati al passato del cinema Turroni e non solo. Quattro serate ad ingresso libero e gratuito nel giardino del cinema con la garanzia di posti distanziati ed igienizzati ed ingresso regolamentato secondo le normative vigenti (vedi fondo pagina).

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Papà è in viaggio d’affari

Mercoledì 8 luglio ore 21.00

Opera seconda dell’amato regista bosniaco Emir Kusturica con cui si aggiudicò la Palma d’oro al Festival di Cannes 1985. La Jugoslavia degli anni ’50 vista attraverso gli occhi del piccolo Malik. Un film a cui siamo molto legati e che abbiamo proposto al Cinema Turroni negli anni ’80. 

Vai alla scheda del film: Papà è in viaggio d’affari

The Bra – Il reggipetto

Mercoledì 15 luglio ore 21.00

Riproponiamo questo film dall’ultima rassegna Cineforum Mon Amour interrottasi sfortunatamente a causa dell’emergenza Covid19 poco prima della proiezione. Una commedia poetica lungo i binari del treno di un quartiere popolare di Baku (Azerbaigian). 

Vai alla scheda del film: The Bra – il reggipetto

Un eroe dei nostri giorni

Mercoledì 29 luglio ore 21.00

“Ma io non ho paura, è che ho la fortuna di essere prudente…”. Italia anni ‘50: la società – tra echi del fascismo e primi segni del boom – è piena di insidie che richiedono vigilanza e strategie. Alberto Menichetti è una delle più geniali versioni dell’italiano medio incarnate da Sordi sulle trame del “suo” sceneggiatore, il bellunese Rodolfo Sonego, in un film di Mario Monicelli che racconta bene quanto è stato difficile per l’Italia diventare un paese moderno.

Vai alla scheda del film: Un eroe dei nostri tempi

I 400 colpi

Venerdì 31 luglio ore 21.00

Primo lungometraggio di François Truffaut e vincitore della Palma d’Oro al Festival di Cannes 1959, è l’opera del regista francese che amiamo a tal punto da aver ispirato il logo del nostro Circolo. Lo sguardo indimenticabile del giovane Antoine Doinel (alter ego del regista) segna l’arrivo di una nuova onda nella storia del cinema, la Nouvelle Vague. Un classico intramontabile.

Vai alla scheda del film: I 400 colpi

Misure di sicurezza per l’accesso al giardino

L’ingresso è libero e gratuito per tutti, sarà consentito fino all’esaurimento dei posti disponibili e sarà regolamentato secondo le normative vigenti.

Inoltre:

• sarà presente un igienizzatore per le mani all’ingresso;
• sarà separato il flusso d’ingresso rispetto a quello d’uscita;
• sarà obbligatorio indossare la mascherina entrando e uscendo;
• sarà garantito il distanziamento dei posti a sedere;
• potrà essere rilevata la temperatura corporea all’ingresso;

In caso di maltempo la serata verrà annullata o, se possibile, posticipata al venerdì successivo. Per qualsiasi domanda o informazione scrivici a info@enricopizzuti.it o chiamaci al numero 349.8439043.

Giardino del Cinema Turroni
Via Garibaldi 43, 31046 Oderzo TV

L’iniziativa, intitolata We Are One: A Global Film Festival, prenderà il via su YouTube il 29 maggio per terminare il 7 giugno. Tutta la programmazione sarà completamente gratuita. Tutte le donazioni raccolte saranno devolute al Fondo di solidarietà Covid-19 dell’Organizzazione Mondiale della Sanità e dei partner locali di soccorso in varie parti del mondo.

I festival internazionali coinvolti sono i seguenti:

• Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia
• The Annecy International Animation Film Festival
• Berlin International Film Festival
• BFI London Film Festival
• Cannes Film Festival
• Guadalajara International Film Festival
• International Film Festival & Awards Macao
• Jerusalem Film Festival
• Mumbai Film Festival
• Karlovy Vary International Film Festival
• Locarno Film Festival
• Marrakech International Film Festival
• New York Film Festival
• San Sebastian International Film Festival
• Sarajevo Film Festival
• Sundance Film Festival
• Sydney Film Festival
• Tokyo International Film Festival
• Toronto International Film Festival
• Tribeca Film Festival

“Spesso parliamo del ruolo unico e potente del cinema di ispirare e unire le persone al di là dei confini e delle differenze per aiutare a guarire il mondo. Tutto il mondo ha bisogno di guarigione in questo momento”, ha detto Jane Rosenthal, CEO di Tribeca Enterprises e co-fondatrice del Tribeca Film Festival. “We Are One: A Global Film Festival unisce curatori, artisti e narratori per intrattenere e sostenere il pubblico di tutto il mondo in questo momento difficile. Lavorando con i nostri straordinari partner e con YouTube ci auguriamo che tutti possano assaporare cosa rende ogni festival così unico apprezzando ancora di più l’arte e la potenza del cinema”.

La programmazione includerà lungometraggi, cortometraggi, documentari, musica, commedie e incontri. Maggiori dettagli sui contenuti saranno pubblicati in un secondo momento.